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Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Museo del Prado. Hasta el 02-02-2020.

DIÁLOGO ENTRE DOS PINTORAS

Hasta el 02-02-20, fecha fácil de recordar, y para celebrar el 200 Aniversario del Museo del Prado, podemos deleitarnos con la muestra Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, ambas italianas y del siglo XVI, que proceden de ambientes muy distintos.  Sus ciudades de origen, Anguissola es de Cremona, aristocrática ciudad del norte, perteneciente a la Lombardía, y Fontana es de Bolonia, ciudad inquieta y progresista en el terreno cultural, artístico y religioso, de la Emilia-Romaña, apenas distan 150 kilómetros y en ambas caló el humanismo, pero sus tradiciones culturales y sociales eran de diferente índole.

Sofonisba y Lavinia. M. Prado Onlyartravel.Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana abren para los espectadores su mundo artístico, difícil por su condición de mujer, de pleno Renacimiento. Al entrar en el espacio reservado del Museo del Prado para mostrar esta selección de 65 obras de las pintoras, un espacio recogido, íntimo, muy bien conseguido gracias al color granate, tan elegante, los visitantes se sienten un poco intrusos, de modo que hablar en tono quedo parece casi una obligación. Leticia Ruiz, comisaria de la exposición apunta que la exposición es un relato sobre dos pioneras de la historia de la pintura, que van a permitir dar visibilidad y respetabilidad a las mujeres en la creación artística. También hay un cuadro de Lucía Anguissola, que, junto con su hermana Sofonisba, pertenecen a las escasas pintoras que tienen obra en las colecciones del Museo del Prado, 33 pintoras, frente a 5.000 pintores, (señala N. Pulido en ABC, 26-10-19).

Pudiera parecer que la vida y obra de Sofonisba Anguissola (Cremona, 1535-Palermo, 1625) fue más privilegiada, más sencilla en su recorrido, al proceder de una familia aristócrata. Su padre, Amilcare Anguissola, le puso nombre de princesa cartaginesa, y consiguió abrirle las puertas de la corte de Felipe II cuando contraía nupcias con su tercera mujer, Isabel de Valois. Pero una cambia de opinión cuando ve esos magníficos retratos y lee que tuvo que entrar como dama de compañía para ocultar su condición de pintora, y que era pagada con joyas y vestidos, por lo tanto no reconocida como una profesional del retrato. Su fama era merecida, gracias a ser una magnífica dibujante, y reconocida maestra de pintura para la reina y las infantas, pero no firmaba las obras. Ha habido mucha confusión en la atribución de algunos retratos de la Corte, en los que competía con nombres como Alonso Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz. Sus cuadros destacan por la novedad del retrato sedente, y por el tratamiento de la luz que resalta objetos del fondo oscuro, así como del colorido veneciano que le caracteriza. (Retratos de las hijas de Felipe II, Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, a las que siguió educando tras la muerte de su madre, la reina Isabel de Valois.)

 Lavinia Fontana (Bolonia, 1552-Roma, 1614) tendrá diferentes circunstancias, se moverá en ambientes artísticos, hija del pintor boloñés de éxito, Prospero Fontana, será la primera mujer en regentar un taller de pintura, teniendo a su cargo aprendices y ayudantes. El reconocimiento de este papel en la plena Italia renacentista, no fue fácil, tampoco. Gran admiradora de Sofonisba, recuperará su modelo de retrato sedente, que aportaba a los retratados un porte muy elegante y poderoso, y de aire intelectual. Su obra se caracteriza por ir adquiriendo un estilo propio que le separa del manierismo, con un gusto por el detalle y el colorido veneciano, en unos retratos muy naturales, temas religiosos y mitológicos. Se la relaciona con el clasicismo de los Carracci, lo que la entronca en el primer Barroco. 

Ambas pintoras dialogan en las salas del Prado, decoradas con mucho acierto, y repartiendo las obras en secciones temáticas que facilitan la visita. Hablan entre sí a través de sus valientes autorretratos (muy numerosos, cuestión poco frecuente hasta ahora de manos femeninas), presentándose como lo que son, pintoras, pese a quien pese de la época, como mujeres que analizan su entorno, lo convierten en un lienzo, cuidando, como en el caso de Anguissola todos los detalles, y dándole el ambiente humanista del momento, en el caso de Fontana, en el que todas las damas de la alta sociedad debían tener conocimientos de idiomas, literatura, música, danza y arte.

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Sofonisba, morirá nonagenaria, contando con el respeto y la admiración de muchos de sus contemporáneos, como vemos en el delicioso retrato que Van Dyck le hace al visitarla, ya anciana y ciega. Este retrato aparece en la última sala de la exposición, dedicada a la memoria, en la que se demuestra lo conocida que era, tratadistas como Vasari, o el mismo Miguel Ángel, hablaron de ella y de su arte, que no alcanza más que el medio centenar de obras, en una vida en la que se enviudó dos veces y no tuvo descendencia.

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Lavinia Fontana que tiene nombre de matrona romana, vivirá 62 años, entre su trabajo de pintora, de dirigir el taller, viajar a Roma y Florencia y los once hijos que tuvo con el también pintor G. P. Zappi. Está enterrada en Roma, en Santa María Sopra Minerva. Como ya hemos apuntado se considera la primera pintora profesional de la historia del Arte, y esta condición le hizo estrechar relaciones, con nobles y eclesiásticos de la época (pintora de la Corte del papa Clemente VIII y de Paulo V). Llama la atención en la exposición que nos ocupa el hecho de tener obras mitológicas con figuras desnudas y el tratamiento erótico que les da a las mismas (Marte y Venus). Se tiene certeza de que pintó más de 130 cuadros, pero solo se conservan una treintena fechadas y firmadas.

Es todo un enfrentamiento el de estas dos pintoras contemporáneas, que comparten tanto pero a la vez les separa tanto, compruébenlo ustedes mismos, visitando hasta el 02-02-20, fecha fácil de recordar, y para celebrar el 200 Aniversario del Museo del Pardo, la exposición Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.

Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela. Sede de la ILE. (c/ Martínez Campos, 14 ). Hasta el 1 de marzo

100 años de Instituto Escuela. El futuro de la educación era hace cien años.

En pleno siglo XXI la educación está inmersa en una gran revolución que pone en entredicho postulados que se venían arrastrando los últimos cincuenta años y se convierte al alumno en protagonista de su propio aprendizaje, a través de nuevas metodologías.

¿Y si el futuro ya existiera hace cien años.? Este es el interrogante que se nos plantea en esta exposición “Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela”  que se celebra en la sede de Martínez Campos del ILE (Instituto Libre de Enseñanza) hasta el 1 de marzo.  Quizás podamos responder a la pregunta, o no,  pero lo que es seguro es que supone una magnífica ocasión para acercarse a uno de los proyectos educativos más pioneros y ambiciosos del siglo XX.

Recordemos un poco los orígenes de la  Institución Libre de Enseñanza, en cuyo seno nació el Instituto Escuela. Surgiría en plena Restauración Borbónica, en 1876, a raíz de la prohibición de la libertad de cátedra (Decreto Orovio) del gobernante conservador Antonio Cánovas del Castillo. En aquel año un grupo de profesores liderados por Giner de los Ríos y Azcárate,  a modo de objeción de conciencia, fundaron la ILE.

Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. Museo del Prado. Hasta el 29 de septiembre.

La Historia del Arte del Barroco, del siglo XVII en concreto, tiene un gran número de grandes figuras de la pintura,  siempre clasificadas según su nacionalidad, en Pintura Española, Pintura Holandesa, Francesa o Italiana. El hecho de diferenciar autores por su nacionalidad ya les daba de salida una serie de características propias. Esta muestra del Museo del Prado quiere salir de este atolladero, de este simplismo:  VELÁZQUEZ, REMBRANDT, Y VERMEER. MIRADAS AFINES. Se trata de pintores, español uno, holandeses los otros dos, que tienen mucho en común, además de parte de su historia compartida, con muchos claro-oscuros,  (que terminó en 1648 con la independencia de Holanda de la corona española.)

Paula Rego en CEART, Fuenlabrada: Giving fear a face. Hasta el 21 de julio.

 

Trasladarse hasta Fuenlabrada, da igual donde vivas, es un esfuerzo, parece que está lejos de todo ( y que me perdonen los vecinos de dicha localidad). Pero ese esfuerzo se ve de sobra compensado cuando aparece ante tí el edificio que cobija el CEART, Centro de Arte Tomás y Valiente. Un espacio que promete sorprender, como lo hace la exposición de Paula Rego Giving fear a face (o Personificar el miedo) , que acoge hasta el 21 de julio.

CEART. Onlyartravel

En su interior aguarda un montaje laberíntico, agradable y sorprendente que  te invita a descubrir las últimas obras de esta influyente pintora figurativa, una de las grandes del siglo XX. Ochenta obras pintadas por la pintora portuguesa desde 2005, con la técnica del pastel como protagonista, esperan a descubrir todo un mundo de sensaciones.

A sus ochenta y cuatro años Paula Rego (Lisboa, 1935) sigue trabajando, y creando a contracorriente  esos mundos que la obsesionan. Experiencias personales, fantasías, pesadillas, referencias a la crueldad del mundo en especial con las mujeres, pero con cualquier ser humano.

El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño. Fundación Juan March. Hasta el 23 de junio

Entramos en realidad en un cuarto de juegos, de más de 480 metros cuadrados, no en una exposición al uso. Supone una vuelta a la infancia, ya desde el mismo título: El juego del arte. Pero sobre todo es esta muestra una nueva perspectiva, que conjuga Pedagogía , Arte y diseño …como sigue rezando el título.

El comisario, Manuel Fontán (y sus colaboradores, incluido Juan Bordes) han dispuesto las 900 piezas que componen la exposición para mostrar como las novedosas pedagogías del siglo XIX , radicalmente basadas en el juego y la manipulación de formas, han sido una fuente fundamental para las vanguardias del siglo XX, para el arte y el diseño de los primeros treinta años del siglo XX.

La exposición se inicia con Un museo sintético de arte moderno, un museo de vanguardia en miniatura: Malevich, Balla, Morandi…nos hacen ponernos en contacto con las nuevas tendencias artísticas del primer tercio del siglo XX. Un botellero de Duchamp, dadaísta, el colorido de Sonia Delaunay, los floreros de Hoffmann, las verticales de Mondrian , pequeña obra de Picasso o de Kandinsky…nos permiten releer de nuevo estas vanguardias.

Una primavera con arte y mucho más en Madrid.

Madrid en primavera ofrece mucho que ver y que disfrutar, mucho de lo que sorprenderse y mucho de lo que aprender.

De pintura, de historia, de educación, de arqueología o de arquitectura, de escultura….

 

  • Balthus en el Museo Thyssen Bormemisza de Madrid. Hasta el 26 de mayo.                                                           Elegante, cercano y a la vez lejano, intimista, así es como yo definiría a Balthus en toda esta serie de figuras que nos regala. Conocedor de la importancia de los pequeños detalles. Y soñador….

                           http://onlyartravel.com/2019/03/balthus-museo-thyssen-hasta-el-26-de-mayo-2019/

  • Giacometti en el Museo del Prado. Madrid. 2 de abril-7 de julio 2019.                                                                              La Galería Central del edificio Villanueva de la pinacoteca se abre a uno de los escultores más importantes del siglo XX en un diálogo entre sus estilizados hombres y mujeres, frágiles y anónimas figuras símbolos de la más pura humanidad, y distintos cuadros del Prado.                                                                                                            
  • El gabinete de descanso de sus majestades. Museo del Prado. Hasta el 24 de noviembre.                                 Esta exposición pretende evocar uno de los espacios más singulares del edificio Villanueva: el gabinete de descanso de sus majestades,. Sitúa en la sala 39 todas las pinturas y muebles que lo componían, en su posición original.

Balthus. Museo Thyssen, Hasta el 26 de mayo 2019.

Balthus. Museo Thyssen. Hasta el 26 de mayo 2019.

Entrar en las salas del Thyssen entre los cuadros de Balthus tiene un poco de intimidante. El tiempo se ha detenido en sus retratos. En las escenas domésticas, infantiles, o no tan infantiles. En los desnudos, las figuras adolescentes (que han sido tachadas de un erotismo escandaloso),  sus insinuantes miradas y posturas. Casi da pudor mirar algunos cuadros, y no por el tema,  no por las poses, sino por romper esa escena, esa intimidad en la que han sido inmortalizadas adolescentes que se mueven entre la ingenuidad y el descubrimiento, con posturas que podrían escandalizar si nos quedáramos en la mera superficialidad, sin entender el contexto.

Dorothea Tanning. Detrás de la puerta, invisible, otra puerta. 7 de enero: último día para disfrutarla. Museo Reina Sofía.

Dorothea Tanning nació en una pequeña ciudad de Estados Unidos, en Illinois, llamada Galesburg, a tres horas de Chicago. Y una se pregunta cómo,  desde un lugar tan remoto y puritano,  puede saltar a la esfera de la vanguardia una artista de la talla de esta americana, inquieta y rompedora, que nació en 1910, y murió con 101 años en Nueva York (2012). No dejaba que la denominaran mujer artista, en sus propias palabras: mujeres-artista: no existe tal cosa…. Es una contradicción en sus términos, al igual que hombre-artista o elefante-artista. Puedes ser una mujer y puedes ser artista, pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú.

Su madre, de origen sueco, siempre apoyó la carrera artística de sus hija, que despierta al mundo de la fantasía con lecturas de Oscar Wilde, Lewis Carroll o Hans Christian Andersen. Dorothea se trasladó a Chicago, a estudiar Arte y comenzó su formación y la incesante búsqueda de nuevas formas expresivas. Se ganaba la vida como ilustradora de unos grandes almacenes, hasta que en 1936 viaja a Nueva York y quedó impactada por la exposición del Museo de Arte Moderno, Arte fantástico. Dadá y Surrealismo (Man Ray, Duchamp, Ernst, Dalí).

Dorothea Tanning y Max Ernst. Onlyartravel

Esa curiosidad por lo que pasaba en la esfera del arte, hizo que viajara a París, en 1939, en busca de sus admirados pintores surrealistas. Y encontró París vacío, por el estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Fue Max Ernst el que la encontró en Nueva York, Se quedó impresionado con su obra Birthday,

D. Tanning. Birthday. 1939. Onlyartravel

y la incluyó en una exposición de pintoras que organizaba la que por entonces era su tercera mujer, Peggy Guggenheim. Dorothea y Max se casarán en Hollywood en 1942, se marcharán a vivir a Sedona (Arizona), donde construyen su propia casa y comienzan una nueva vida. Serán pareja Tanning y Ernst durante 34 años (entre 1942 y 1976, año de la muerte del pintor).

Dorothea-Tanning-Max-in-a-Blue-Boat-1947-Max-Ernst. Onlyartravel

Existe una clara deuda de la historia hacia Dorothea Tanning, y esta primera retrospectiva es el comienzo para saldarla, pues como en el caso de otras mujeres, estuvo a la sombra de Max Ernst. Nos referimos a la exposición organizada por el Museo Reina Sofía, Dorothea Tanning. Detrás de la puerta, invisible, otra puerta, la integran 150 obras, entre lienzos, esculturas blandas, bocetos e ilustraciones, que se clausurará el 7 de enero, antes de viajar la Tate Modern de Londres.

Destacan por su originalidad las esculturas blandas, realizadas en los años sesenta con máquinas de coser, pelotas de ping-pong, lanas y retales de telas. Fetichistas, dúctiles, siniestras, y cuyo hilo conductor es la sexualidad, sin distinción de género, son seres ambiguos. Louise Bourgeois, colaborará con ella en esta obra plástica.

D. Tanning. Esculturas blandas. Onlyartravel

 

No quería que se la recordara como pintora surrealista, la hacía sentirse un poco “fósil”, pues el surrealismo muere en los años 50. Sería mejor denominarla como artista polifacética: pintora, ilustradora, diseñadora de vestuarios y decorados para ballet, escultora, narradora y poeta. Todas las disciplinas para crear un universo muy personal, surreal, poblado de fantasía y de fantasmas. Critica el patriarcado (Retrato de familia, 1954) en el que vive, en un momento en el que las mujeres tenían una imagen más de musas que de creadoras y en el que las mujeres rebeldes como ella se negaban a hacer “lo que se esperaba de ellas”, como explica la comisaria de la muestra, Alyce Mahon.

Dorothea Tanning. Retrato de familia. 1954. Onlyartravel

La obra de la artista americana es claramente autobiográfica, aunque afirmaba: He hecho todo lo posible por huir de mi autobiografía, pero somos prisioneros de lo que nos acontece. A través de su compleja obra no pretende reflejar el mundo, sino ir más allá, creando un universo de puertas abiertas que invitan a la curiosidad y a traspasarlas. Autorretratos, el mundo doméstico, desnudos. Curiosidad, seducción y deseo sin edad ni límites, respiran en todas sus obras. Yo pinto, solo lo puedo describir como un impulso. Decía que no le pidieran que explicara sus obras.

D. Tanning frente a su obra. Onlyartravel.

BECKMANN. Figuras del exilio. Hasta el 27 de enero.

BECKMANN. Figuras del exilio. Hasta el 27 de enero.

 Thyssen Beckmann. Onlyartravel

 

Ya desde la misma entrada a las salas de exposiciones temporales del Museo Thyssen, se empieza a notar una presencia que envuelve, a base de  gruesos trazos negros y de manos que interrogan. De miradas evasivas  y de figuras que lo llenen todo.

Es la muestra Beckmann. Figuras del exilio que estará en dicho museo hasta el 27 de enero y que  ofrece la posibilidad de acercarse a Max Beckmann (Leipzig, 1884-Nueva York, 1950), artista alemán representante del expresionismo y la llamada nueva objetividad, pero sobre todo independiente y cuya obra refleja la sociedad del momento. La muestra, comisariada por Tomás Llorens,  reúne medio centenar de obras en total entre pinturas, esculturas y litografías. Posteriormente viajará a Barcelona.

Comienzas a entender su doble vocación, de pintor y escultor, que consigue que las manos sean el elemento más expresivo. Manos que fuman, que sostienen, manos que despiden o manos que tocan. Manos, al fin y al cabo, que hablan.

Retrato de familia. Beckmann.1920. Onlyartravel

Retrato de familia. Beckmann.1920.

 En ambientes sombríos, decadentes, acentuados por esos trazos negros y gruesos tan propios del expresionismo alemán. Entornos con aire pesimista, de muerte,  nocturnos, marginales, de despedida. Parece que el proceso creativo de Beckmann impidiera el optimismo. Solo la ciudad de Nueva York, ya al final,  le inspira un color más vivo, que termina apagándose de nuevo por culpa de esos negros contornos que delimitan todo: paisajes y figura.

Pasada la primera impresión, nada cálida, por cierto, se comienza a comprender la trayectoria de este pintor alemán, que rápidamente descolló en el panorama artístico de antes y después de la Primera Guerra Mundial (en la que participó como enfermero voluntario). Huyó siempre de las etiquetas y de que le encasillaran como expresionista.

Autorretrato. Carnaval. Beckmann. Onlyartravel.

 Tras una aparente recuperación, en los llamados felices años veinte, en la que fue profesor de prestigio y exponía su obra en las mejores galerías,  la llegada de los nazis le supuso estar incluido en la clasificación de “arte degenerado” como a tantos otros (Kandinsky, Klee, Chagall, Munch y una larga lista de pintores del momento) y ser acusado de bolchevique por su gobierno.

La primera parte de la muestra se dedica a estos años en Alemania. Obra de pequeño formato, que va del interés inicial por los temas históricos a reflejar de una manera sarcástica la derrota nacional, económica y política del país. Autorretratos (muy numerosos a lo largo de su obra), figuras de burgueses (Sociedad. París. 1931), personajes de la farándula, rodeados de desesperanza y una  violencia cada vez más manifiesta.

Abandona Alemania, país al que ya no regresará,  para instalarse en Amsterdam y comenzar ambos exilios, el interior y el exterior. Holanda y Estados Unidos serán sus nuevas patrias. Esta segunda parte de la muestra tiene referencias puntuales en torno a el drama del exilio:  Máscaras para ocultar la identidad; La Babilonia electrónica en torno al vértigo de la gran ciudad para el que llega; El largo adiós y El mar, en relación a la muerte, las despedidas y el infinito.

Camarotes. Beckmann.1938. Onlyartravel

                                                       Camarotes. Beckmann.1938.

Diez años después de dejar Alemania, en 1947 ya estaba instalado en Saint Louis y poco después era catedrático de la Escuela de Arte Washington University (a pesar de que  en una entrevista afirmaba: el arte no se puede enseñar, aunque el camino hacia el arte, sí.). En 1949 se instaló en Nueva York, donde finalizaría sus días pintando Los Argonautas   obra que terminó el mismo día de su muerte, causada por un ataque al corazón, el 27 de diciembre de 1950. Esta obra tiene formato de tríptico, muy frecuentado por Beckmann, en el que, como en todos sus cuadros el espacio tiene gran protagonismo. Y en él se agolpan figuras, espejos,  escaleras, con esas miradas que te interrogan y, hasta el final, esa manos que hablan.

BARTOLOMÉ BERMEJO EN EL MUSEO DEL PRADO. Hasta el 27 de enero 2019.

 

El Museo del Prado nos acerca a una época en la que la pintura española está todavía inmersa en el Gótico, pero a la que va llegando la nueva visión artística del Renacimiento: los llamados Primitivos Flamencos. Uno de los mejores representantes es, sin duda Bartolomé Bermejo, al que el Museo del Prado dedica una exposición antológica. Es una ocasión para ampliar conocimientos sobre este siglo de esplendor, y en concreto, la etapa final, del reinado de los Reyes Católicos.

Queda de manifiesto en las obras expuestas el virtuosismo y la calidad de su técnica, así como la gran influencia que ejerció entre sus contemporáneos el pintor cordobés afincado en la Corona de Aragón, Bartolomé de Cárdenas, alias el Bermejo (1440-45, Córdoba- 1501, Barcelona).  El pseudónimo bien podría ser debido a los rojos que utiliza en sus lienzos (o por el color de su pelo).




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