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EXPRESIONISMO ALEMÁN en la colección Thyssen-Bornemisza. Hasta el 14 de marzo 2021.

 

Con motivo de la celebración del centenario del nacimiento del barón Hans Heinrich Thyssen Bornemisza (1921-2002), se han seleccionado de su colección madrileña los cuadros que representan al EXPRESIONISMO ALEMÁN, para organizar esta exposición en el museo que lleva su nombre, hasta el 14 de marzo de 2021.

Son cuadros pertenecientes a la colección permanente, a los que se han añadido algunos de su viuda, Tita Cervera, y de sus hijos. Para los visitantes se trata de la interesante labor de revisitar esta parte de la colección, muy cuidada por el barón, cambiada de sus habituales salas,  y resulta un ejercicio muy recomendable. Siempre sorprende alguna obra que nos había pasado desapercibida en el conjunto de la colección, cobrando aquí más importancia gracias al contexto en el que se incluye.

Sirva también este recorrido para entender a los coleccionistas más de cerca, a las razones que les hacen elegir unas obras y no otras para su colección. Hasta los años 60, el barón Thyssen había seguido en su colección una línea muy tradicional, continuando la labor de su padre, adquiriendo sobre todo obras de maestros antiguos. Será a partir de 1961,  cuando adquiera  la acuarela El beso de Emil Nolde, que comience su nueva colección, de vanguardias artísticas del siglo XX, y sobre todo de artistas alemanes, que en su momento, con el nazismo en pleno auge, habían sido considerados como arte degenerado. Podemos conocer los primeros pasos del barón en esta nueva línea como coleccionista. Hay quien quiere ver un ajuste de cuentas del propio barón con el nazismo, al dedicarse a coleccionar a los autores denostados por el nazismo, y , según el director del museo, Guillermo Solana, al hacerlo, rompe con la tradición familiar.

El Estado español adquirirá en 1993 una gran parte de la colección del Barón, y con ella los cuadros expresionistas alemanes, de los que no había representación en ningún museo español.

El colorido atrevido de la obra de Nolde  le indicó un camino más libre a la hora de coleccionar, más emocional, no quería ser “un magnate conservador” como su padre. Y los marchantes le fueron dirigiendo a la adquisición de obras de Ernst, Kirchner, Kandisky, Klee, Marc… Era un comprador impulsivo, que compraba lo que le gustaba, sin perder de vista el crear una colección que incluyera todos y cada uno de los movimientos de vanguardia,  sin perder de vista el conjunto de su colección.

Reencuentro. Museo del Prado. Hasta el 13 de septiembre.

Al entrar en el Museo del Prado, tras este parón causado por la pandemia del siglo XXI, me da la bienvenida, nada más y nada menos, que La Anunciación de Fra Angelico recién restaurada. Ya no hay que buscarla por las salas, lo que por un lado quita la sorpresa, ahora te sale al encuentro ese azul del manto de la Virgen, esos trazos valientes del fraile dominico, y los dorados, restos todavía de una mentalidad medieval que se estaba marchando.

El Reencuentro en el Prado es para no cerrar la boca en el todo el recorrido, que han conseguido muy completo y accesible, para conocer lo mejor. Y muy intenso.

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Después de admirar al pintor florentino, una se da la vuelta y se encuentra El Descendimiento de Van der Weyden, que también había que perderse para encontrarlo. Siglo XV enfrentado, Países Bajos e Italia, un concepto bien distinto de la pintura, y tan modernos los dos. La composición de la tabla flamenca es impecable, su colorido, sus transparencias, pero sobre todo la emoción de cada personaje. Y la mía, al encontrarlos de nuevo, en otro paisaje.

FELIZ DÍA DE LOS MUSEOS. FELIZ RECUPERACIÓN DE LOS MUSEOS.

FELIZ DÍA DE LOS MUSEOS. FELIZ RECUPERACIÓN DE LOS MUSEOS.

 

El  18 de mayo es el DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS, y desde Onlyartravel lo queremos celebrar volviendo a la luz, después de dos meses de reflexión, de reinvención, de desear que se recuperen estos espacios tan queridos por nosotros.

Es importante destacar un día en el calendario para resaltar a los museos como “lugares de intercambio cultural, para el enriquecimiento de las culturas,  para el desarrollo de  la comprensión mutua, de la colaboración y de la paz entre los pueblos”, como apunta ICOM (Consejo Internacional de Museos), que este año dedica la fecha al destacar una idea:Museos por la Igualdad, la diversidad y la Inclusión. Los museos y el patrimonio en general, son lugares que refuerzan el sentido de pertenencia a una comunidad, a una cultura, sin distinción de ningún tipo.

Rodin-Giacometti. Fundación Mapfre. Madrid. Hasta el 10 de Mayo.

Dos de los escultores más conocidos de los siglos XIX y XX, Rodin y Giacometti, se encuentran en Madrid, y a través de sus obras muestran unas conexiones que llenan la sala Recoletos de la Fundación Mapfre,  que ofrece  de cerca esta relación que de otra manera no serían tan evidente ante le asombro de los espectadores: Rodin-Giacometti, hasta el 10 de mayo.

Cuando Auguste Rodin muere a los 77 años (París, 1840, – Meudon, 1917), Alberto Giacometti, de origen suizo (Borgonovo, Suiza, 1901-Coira, Suiza, 1966)  tenía 16 años y desde que era un crío lo admiraba. Les separa pues, una generación, pero les une una misma visión innovadora de la escultura y de su tiempo.

Son los dos escultores que a su manera rompen en su época con lo establecido. Rodin es el primero de la escultura moderna, huyendo del frío clasicismo y dando expresividad a las figuras. Giacometti podría haber derivado en la geometrización del cubismo, en el surrealismo o la abstracción propia de las vanguardias del siglo XX, pero eligió, como Rodin, la figuración y la materia. Es la primera conexión, el interés por la figuración y el modelado, de una materia que no parece acabada, que no se dota de superficies pulidas ni acabadas, en las que incluso se ve la marca de los dedos de los escultores, lo que a Rodin le supuso tanto rechazo, pero a la vez tanto éxito.

GOYA. DIBUJOS. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA. Museo del Prado. Hasta el 16 de febrero de 2020.

Hace doscientos años, el día 19 de noviembre de 1819, abría sus puertas el Museo del Prado como museo real. Goya tenía 73 años y todavía vivía en Madrid. No podemos saber si él mismo acudió a este gran acontecimiento, enfermo como estaba, y muy desilusionado con la vuelta de Fernando VII como rey déspota y autoritario. Ese mismo año recibe el encargo por parte de las Escuelas Pías, de La última comunión de San José de Calasanz.

La idea de crear un museo real partió de la segunda esposa de dicho rey, Isabel de Braganza, sacar las pinturas y esculturas de las colecciones reales de su lugar, el palacio, y ponerlas al alcance de todos aquellos que las quisieran disfrutar (al principio muy pocos privilegiados, pues se entraba en el Museo con recomendación únicamente). Al inaugurarse  el Museo ya tenía en sus paredes tres obras de Goya colgadas: los retratos ecuestres de Carlos IV y la Reina María Luisa, y El garrochista. Isabel de Braganza no vivirá para contemplar su sueño hecho realidad, por su temprana muerte a los 21 años al dar a luz, pero se la recordará siempre por este hecho.

Hace unos días, el 19 de noviembre de 2019, el Museo de Prado cumplía dos centurias y abría la exposición: GOYA. DIBUJOS. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA, que permanecerá abierta hasta el 16 de febrero de 2020.

Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Museo del Prado. Hasta el 02-02-2020.

DIÁLOGO ENTRE DOS PINTORAS

Hasta el 02-02-20, fecha fácil de recordar, y para celebrar el 200 Aniversario del Museo del Prado, podemos deleitarnos con la muestra Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, ambas italianas y del siglo XVI, que proceden de ambientes muy distintos.  Sus ciudades de origen, Anguissola es de Cremona, aristocrática ciudad del norte, perteneciente a la Lombardía, y Fontana es de Bolonia, ciudad inquieta y progresista en el terreno cultural, artístico y religioso, de la Emilia-Romaña, apenas distan 150 kilómetros y en ambas caló el humanismo, pero sus tradiciones culturales y sociales eran de diferente índole.

Sofonisba y Lavinia. M. Prado Onlyartravel.Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana abren para los espectadores su mundo artístico, difícil por su condición de mujer, de pleno Renacimiento. Al entrar en el espacio reservado del Museo del Prado para mostrar esta selección de 65 obras de las pintoras, un espacio recogido, íntimo, muy bien conseguido gracias al color granate, tan elegante, los visitantes se sienten un poco intrusos, de modo que hablar en tono quedo parece casi una obligación. Leticia Ruiz, comisaria de la exposición apunta que la exposición es un relato sobre dos pioneras de la historia de la pintura, que van a permitir dar visibilidad y respetabilidad a las mujeres en la creación artística. También hay un cuadro de Lucía Anguissola, que, junto con su hermana Sofonisba, pertenecen a las escasas pintoras que tienen obra en las colecciones del Museo del Prado, 33 pintoras, frente a 5.000 pintores, (señala N. Pulido en ABC, 26-10-19).

Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela. Sede de la ILE. (c/ Martínez Campos, 14 ). Hasta el 1 de marzo

100 años de Instituto Escuela. El futuro de la educación era hace cien años.

En pleno siglo XXI la educación está inmersa en una gran revolución que pone en entredicho postulados que se venían arrastrando los últimos cincuenta años y se convierte al alumno en protagonista de su propio aprendizaje, a través de nuevas metodologías.

¿Y si el futuro ya existiera hace cien años.? Este es el interrogante que se nos plantea en esta exposición “Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela”  que se celebra en la sede de Martínez Campos del ILE (Instituto Libre de Enseñanza) hasta el 1 de marzo.  Quizás podamos responder a la pregunta, o no,  pero lo que es seguro es que supone una magnífica ocasión para acercarse a uno de los proyectos educativos más pioneros y ambiciosos del siglo XX.

Recordemos un poco los orígenes de la  Institución Libre de Enseñanza, en cuyo seno nació el Instituto Escuela. Surgiría en plena Restauración Borbónica, en 1876, a raíz de la prohibición de la libertad de cátedra (Decreto Orovio) del gobernante conservador Antonio Cánovas del Castillo. En aquel año un grupo de profesores liderados por Giner de los Ríos y Azcárate,  a modo de objeción de conciencia, fundaron la ILE.

Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. Museo del Prado. Hasta el 29 de septiembre.

La Historia del Arte del Barroco, del siglo XVII en concreto, tiene un gran número de grandes figuras de la pintura,  siempre clasificadas según su nacionalidad, en Pintura Española, Pintura Holandesa, Francesa o Italiana. El hecho de diferenciar autores por su nacionalidad ya les daba de salida una serie de características propias. Esta muestra del Museo del Prado quiere salir de este atolladero, de este simplismo:  VELÁZQUEZ, REMBRANDT, Y VERMEER. MIRADAS AFINES. Se trata de pintores, español uno, holandeses los otros dos, que tienen mucho en común, además de parte de su historia compartida, con muchos claro-oscuros,  (que terminó en 1648 con la independencia de Holanda de la corona española.)

Paula Rego en CEART, Fuenlabrada: Giving fear a face. Hasta el 21 de julio.

 

Trasladarse hasta Fuenlabrada, da igual donde vivas, es un esfuerzo, parece que está lejos de todo ( y que me perdonen los vecinos de dicha localidad). Pero ese esfuerzo se ve de sobra compensado cuando aparece ante tí el edificio que cobija el CEART, Centro de Arte Tomás y Valiente. Un espacio que promete sorprender, como lo hace la exposición de Paula Rego Giving fear a face (o Personificar el miedo) , que acoge hasta el 21 de julio.

CEART. Onlyartravel

En su interior aguarda un montaje laberíntico, agradable y sorprendente que  te invita a descubrir las últimas obras de esta influyente pintora figurativa, una de las grandes del siglo XX. Ochenta obras pintadas por la pintora portuguesa desde 2005, con la técnica del pastel como protagonista, esperan a descubrir todo un mundo de sensaciones.

A sus ochenta y cuatro años Paula Rego (Lisboa, 1935) sigue trabajando, y creando a contracorriente  esos mundos que la obsesionan. Experiencias personales, fantasías, pesadillas, referencias a la crueldad del mundo en especial con las mujeres, pero con cualquier ser humano.

El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño. Fundación Juan March. Hasta el 23 de junio

Entramos en realidad en un cuarto de juegos, de más de 480 metros cuadrados, no en una exposición al uso. Supone una vuelta a la infancia, ya desde el mismo título: El juego del arte. Pero sobre todo es esta muestra una nueva perspectiva, que conjuga Pedagogía , Arte y diseño …como sigue rezando el título.

El comisario, Manuel Fontán (y sus colaboradores, incluido Juan Bordes) han dispuesto las 900 piezas que componen la exposición para mostrar como las novedosas pedagogías del siglo XIX , radicalmente basadas en el juego y la manipulación de formas, han sido una fuente fundamental para las vanguardias del siglo XX, para el arte y el diseño de los primeros treinta años del siglo XX.

La exposición se inicia con Un museo sintético de arte moderno, un museo de vanguardia en miniatura: Malevich, Balla, Morandi…nos hacen ponernos en contacto con las nuevas tendencias artísticas del primer tercio del siglo XX. Un botellero de Duchamp, dadaísta, el colorido de Sonia Delaunay, los floreros de Hoffmann, las verticales de Mondrian , pequeña obra de Picasso o de Kandinsky…nos permiten releer de nuevo estas vanguardias.




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