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Reencuentro. Museo del Prado. Hasta el 13 de septiembre.

Al entrar en el Museo del Prado, tras este parón causado por la pandemia del siglo XXI, me da la bienvenida, nada más y nada menos, que La Anunciación de Fra Angelico recién restaurada. Ya no hay que buscarla por las salas, lo que por un lado quita la sorpresa, ahora te sale al encuentro ese azul del manto de la Virgen, esos trazos valientes del fraile dominico, y los dorados, restos todavía de una mentalidad medieval que se estaba marchando.

El Reencuentro en el Prado es para no cerrar la boca en el todo el recorrido, que han conseguido muy completo y accesible, para conocer lo mejor. Y muy intenso.

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Después de admirar al pintor florentino, una se da la vuelta y se encuentra El Descendimiento de Van der Weyden, que también había que perderse para encontrarlo. Siglo XV enfrentado, Países Bajos e Italia, un concepto bien distinto de la pintura, y tan modernos los dos. La composición de la tabla flamenca es impecable, su colorido, sus transparencias, pero sobre todo la emoción de cada personaje. Y la mía, al encontrarlos de nuevo, en otro paisaje.

FELIZ DÍA DE LOS MUSEOS. FELIZ RECUPERACIÓN DE LOS MUSEOS.

FELIZ DÍA DE LOS MUSEOS. FELIZ RECUPERACIÓN DE LOS MUSEOS.

 

El  18 de mayo es el DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS, y desde Onlyartravel lo queremos celebrar volviendo a la luz, después de dos meses de reflexión, de reinvención, de desear que se recuperen estos espacios tan queridos por nosotros.

Es importante destacar un día en el calendario para resaltar a los museos como “lugares de intercambio cultural, para el enriquecimiento de las culturas,  para el desarrollo de  la comprensión mutua, de la colaboración y de la paz entre los pueblos”, como apunta ICOM (Consejo Internacional de Museos), que este año dedica la fecha al destacar una idea:Museos por la Igualdad, la diversidad y la Inclusión. Los museos y el patrimonio en general, son lugares que refuerzan el sentido de pertenencia a una comunidad, a una cultura, sin distinción de ningún tipo.

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La preocupación por la situación generada por el Covid 19 afecta, por supuesto, a este campo de la cultura. Los museos han cerrado, pero no han parado sus profesionales, que nos los han trasladado a nuestras casas con numerosas iniciativas a través de las redes sociales, desarrollando estrategias de comunicación con el público, haciendo gala de una gran creatividad para aliviar a la población confinada.

Recordemos que son instituciones con un papel social y económico incuestionable, y al igual que otros muchos sectores, se tendrá que reinventar, y necesitará de ayudas para seguir adelante, para seguir siendo generadores de bienestar para la sociedad, e impulsores de la cultura, y de la economía en muchos lugares, y sin duda favorecerán la reconstrucción de un futuro nuevo. Deben ser instrumentos de desarrollo sostenible, creadores de empleo y promotores de la conservación, documentación y restauración del patrimonio de todos. También promotores de la educación, la investigación y expertos en saber llegar a un público que sin duda volverá a ellos, aunque en condiciones diferentes. Porque eso es lo que son, un servicio público, cultural, de reconocimiento social, mucho más allá de una mera rentabilidad económica.

Confiamos en que sean apoyados por las instituciones tanto estatales como comunitarias, provinciales o municipales, que aseguren su supervivencia, y su continuidad. Esperemos que no se vean afectados por recortes y que se vea en esta etapa de crisis una oportunidad, por ejemplo, para digitalizar las colecciones, tan necesario para la difusión de las mismas,

Esperamos que sea una ocasión de oro para recuperar los museos como lugares seguros, de los cuales desaparecerán las multitudes, con el beneficio cultural y social  que eso supone, pero indudablemente no económico. Esperamos que reabran todos, en las mejores condiciones, que no quede ninguno por el camino por falta de apoyos y que sigan siendo un referente para las siguientes generaciones, mientras lo podemos disfrutar también las actuales.

Mientras aguardamos confinados, ya aparecen noticias al respecto:

El Prado, el Reina Sofía y el Thyssen retrasan su reapertura para garantizar la seguridad sanitaria

Los principales museos madrileños reanudarán la actividad interna el 11 de mayo pero sin abrir al público para poder acondicionar sus espacios a la nueva normalidad (El País. 30 abril 2020).

 

Es más importante abrir bien que pronto.(El Mundo. 29 abril 2020)

 

Los museos se reinventan: adiós a las grandes exposiciones

Las macro exposiciones con cientos de miles de visitantes pueden considerarse ya cosa del pasado, y a corto y medio plazo sus ingresos se verán seriamente mermados por la reducción de aforos que imponen las medidas de prevención y la drástica caída del turismo.

El desafío es conmensurable. Pero en el horizonte no solo hay vacío, sino que muchos de sus gestores hablan de la oportunidad de retomar la que siempre había sido su misión central, sus colecciones, y dejar atrás un modelo insostenible que hace ya tiempo estaba dando muestras de agotamiento. (La Vanguardia. 7 mayo 2020.)

 

MAS ABIERTOS QUE NUNCA, MÁS NECESARIOS QUE NUNCA, los museos no han perdido su esencia por tener las puertas cerradas, solo están esperando que vuelvan esas miradas cargadas de curiosidad, conectadas a una emoción que se deja sorprender a cada paso.

FELIZ VUELTA A LOS MUSEOS

 

 

 

Rodin-Giacometti. Fundación Mapfre. Madrid. Hasta el 10 de Mayo.

Dos de los escultores más conocidos de los siglos XIX y XX, Rodin y Giacometti, se encuentran en Madrid, y a través de sus obras muestran unas conexiones que llenan la sala Recoletos de la Fundación Mapfre,  que ofrece  de cerca esta relación que de otra manera no serían tan evidente ante le asombro de los espectadores: Rodin-Giacometti, hasta el 10 de mayo.

Cuando Auguste Rodin muere a los 77 años (París, 1840, – Meudon, 1917), Alberto Giacometti, de origen suizo (Borgonovo, Suiza, 1901-Coira, Suiza, 1966)  tenía 16 años y desde que era un crío lo admiraba. Les separa pues, una generación, pero les une una misma visión innovadora de la escultura y de su tiempo.

Son los dos escultores que a su manera rompen en su época con lo establecido. Rodin es el primero de la escultura moderna, huyendo del frío clasicismo y dando expresividad a las figuras. Giacometti podría haber derivado en la geometrización del cubismo, en el surrealismo o la abstracción propia de las vanguardias del siglo XX, pero eligió, como Rodin, la figuración y la materia. Es la primera conexión, el interés por la figuración y el modelado, de una materia que no parece acabada, que no se dota de superficies pulidas ni acabadas, en las que incluso se ve la marca de los dedos de los escultores, lo que a Rodin le supuso tanto rechazo, pero a la vez tanto éxito.

La muestra tiene como comisarias a Catherine Grenier, directora de la Fundación Giacometti, y a Catherine Chevillot, directora del Museo Rodin de París, dato que por sí solo habla de la categoría de la exposición madrileña. Hay que acercarse a ella sin prisas, dejándose llevar entre tanta figura (unas doscientas obras) que a la vez nos interrogan y nos dan respuestas, creativas, eso sí, sobre la figura humana.

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Porque es esta, la figura, la protagonista, que primeramente aparece en grupos, otra de los nexos entre ambos autores, No es muy frecuente, pero Rodin tendrá en una de sus más famosas esculturas: Los burgueses de Calais, la mejor muestra. Le interesa presentar seres, medio humanos, medio heroicos, y lo hace  mostrando los distintos matices del dolor. La exposición se inicia con una enorme fotografía del propio Giacometti entre estos burgueses, en el medio de esta escultura, tal era la admiración por el que será su maestro indiscutible. Otro grupo destacable de rodin es Las tres sombras, que formaría parte de laPuerta del Infierno, junto al Pensador, obra que no se llegó a realizar.

Los burgueses de Calais Onlyartravel

 

Los grupos de Giacometti están sacados de la calle, se unen y se separan, en esa forma totémica que adelgazaba las figuras, sobre todo después de la Segunda Guerra Mundial, como en El claro, una representación de la soledad en grupo. Pasará la guerra en su Suiza natal.

Las formas inacabadas, el accidente, la solución creativa de las deformaciones, serán campos que unan a ambos escultores, y en la exposición se explica con determinadas obras, que podrían ser cualquier otra. El torso de San Juan Bautista, de Rodin, mutilado pero lleno de fuerza, se asemeja a las figuras alargadas de Giacometti,  que no tiene brazos ni piernas, solo se alargan hasta el infinito, quedándose con la esencia, con el espíritu, en un recurso muy expresivo. La deformidad en ocasiones lleva a la caricatura, podría ser Balzac, de Rodin, la muestra, o La nariz, de Giacometti, entre muchas en las que utiliza este distorsionado punto de vista.

Los modelos de Giacometti, su mujer, Anette, y su hermano Diego, sirven para otro de los puntos comunes entre ambos escultores: las series, la repetición de temas, de retratos, no su reiteración, pues cada uno es diferente. Camille Claudel, escultora y amante de Rodin será su modelo para unas máscaras que aparecen en las salas, unos retratos en los que se mezcla la distancia que les caracterizaba como amantes, la melancolía y la belleza de ella.

La novedad para el siglo XIX, fue que Rodin trabajara también con el pedestal, una veces incluyéndolo en la propia escultura, otra evitándolo. Giacometti consigue que el pedestal forme parte de la obra, no se distinga, como en la Cabeza de Diego, cuyo cuello ancla la tierra la el retrato magnífico de su hermano.

Diego, de Giacometti. Onlyartravel

Para terminar con buen sabor de boca nos vamos acercando a El hombre que camina de Giacometti, y al fondo al homónimo de Rodin. El primero, inspirado claramente en el segundo. El primero, sin brazos, ni piernas, con la fortaleza de una musculatura aprendida de Miguel Ángel. El segundo en el mayor alargamiento de una figura (“me interesa la gente de la calle”) que iba a formar parte de un macro proyecto de Nueva York, que se quedó en eso, en proyecto. Esculturas icónicas de ambos, monumentalidad como nexo entre los genios. Y despedida de un mundo, el de la escultura, que no por estar menos acostumbrados a saborear, es menos interesante.

Se complementa la muestra con una exposición de Dibujos y Recortes de Rodin en la Fundación Canal (hasta el 3 de mayo), en que el francés desarrolla en solo dos dimensiones su genio.

GOYA. DIBUJOS. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA. Museo del Prado. Hasta el 16 de febrero de 2020.

Hace doscientos años, el día 19 de noviembre de 1819, abría sus puertas el Museo del Prado como museo real. Goya tenía 73 años y todavía vivía en Madrid. No podemos saber si él mismo acudió a este gran acontecimiento, enfermo como estaba, y muy desilusionado con la vuelta de Fernando VII como rey déspota y autoritario. Ese mismo año recibe el encargo por parte de las Escuelas Pías, de La última comunión de San José de Calasanz.

La idea de crear un museo real partió de la segunda esposa de dicho rey, Isabel de Braganza, sacar las pinturas y esculturas de las colecciones reales de su lugar, el palacio, y ponerlas al alcance de todos aquellos que las quisieran disfrutar (al principio muy pocos privilegiados, pues se entraba en el Museo con recomendación únicamente). Al inaugurarse  el Museo ya tenía en sus paredes tres obras de Goya colgadas: los retratos ecuestres de Carlos IV y la Reina María Luisa, y El garrochista. Isabel de Braganza no vivirá para contemplar su sueño hecho realidad, por su temprana muerte a los 21 años al dar a luz, pero se la recordará siempre por este hecho.

Hace unos días, el 19 de noviembre de 2019, el Museo de Prado cumplía dos centurias y abría la exposición: GOYA. DIBUJOS. SOLO LA VOLUNTAD ME SOBRA, que permanecerá abierta hasta el 16 de febrero de 2020.

Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana. Museo del Prado. Hasta el 02-02-2020.

DIÁLOGO ENTRE DOS PINTORAS

Hasta el 02-02-20, fecha fácil de recordar, y para celebrar el 200 Aniversario del Museo del Prado, podemos deleitarnos con la muestra Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana, ambas italianas y del siglo XVI, que proceden de ambientes muy distintos.  Sus ciudades de origen, Anguissola es de Cremona, aristocrática ciudad del norte, perteneciente a la Lombardía, y Fontana es de Bolonia, ciudad inquieta y progresista en el terreno cultural, artístico y religioso, de la Emilia-Romaña, apenas distan 150 kilómetros y en ambas caló el humanismo, pero sus tradiciones culturales y sociales eran de diferente índole.

Sofonisba y Lavinia. M. Prado Onlyartravel.Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana abren para los espectadores su mundo artístico, difícil por su condición de mujer, de pleno Renacimiento. Al entrar en el espacio reservado del Museo del Prado para mostrar esta selección de 65 obras de las pintoras, un espacio recogido, íntimo, muy bien conseguido gracias al color granate, tan elegante, los visitantes se sienten un poco intrusos, de modo que hablar en tono quedo parece casi una obligación. Leticia Ruiz, comisaria de la exposición apunta que la exposición es un relato sobre dos pioneras de la historia de la pintura, que van a permitir dar visibilidad y respetabilidad a las mujeres en la creación artística. También hay un cuadro de Lucía Anguissola, que, junto con su hermana Sofonisba, pertenecen a las escasas pintoras que tienen obra en las colecciones del Museo del Prado, 33 pintoras, frente a 5.000 pintores, (señala N. Pulido en ABC, 26-10-19).

Pudiera parecer que la vida y obra de Sofonisba Anguissola (Cremona, 1535-Palermo, 1625) fue más privilegiada, más sencilla en su recorrido, al proceder de una familia aristócrata. Su padre, Amilcare Anguissola, le puso nombre de princesa cartaginesa, y consiguió abrirle las puertas de la corte de Felipe II cuando contraía nupcias con su tercera mujer, Isabel de Valois. Pero una cambia de opinión cuando ve esos magníficos retratos y lee que tuvo que entrar como dama de compañía para ocultar su condición de pintora, y que era pagada con joyas y vestidos, por lo tanto no reconocida como una profesional del retrato. Su fama era merecida, gracias a ser una magnífica dibujante, y reconocida maestra de pintura para la reina y las infantas, pero no firmaba las obras. Ha habido mucha confusión en la atribución de algunos retratos de la Corte, en los que competía con nombres como Alonso Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz. Sus cuadros destacan por la novedad del retrato sedente, y por el tratamiento de la luz que resalta objetos del fondo oscuro, así como del colorido veneciano que le caracteriza. (Retratos de las hijas de Felipe II, Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela, a las que siguió educando tras la muerte de su madre, la reina Isabel de Valois.)

 Lavinia Fontana (Bolonia, 1552-Roma, 1614) tendrá diferentes circunstancias, se moverá en ambientes artísticos, hija del pintor boloñés de éxito, Prospero Fontana, será la primera mujer en regentar un taller de pintura, teniendo a su cargo aprendices y ayudantes. El reconocimiento de este papel en la plena Italia renacentista, no fue fácil, tampoco. Gran admiradora de Sofonisba, recuperará su modelo de retrato sedente, que aportaba a los retratados un porte muy elegante y poderoso, y de aire intelectual. Su obra se caracteriza por ir adquiriendo un estilo propio que le separa del manierismo, con un gusto por el detalle y el colorido veneciano, en unos retratos muy naturales, temas religiosos y mitológicos. Se la relaciona con el clasicismo de los Carracci, lo que la entronca en el primer Barroco. 

Ambas pintoras dialogan en las salas del Prado, decoradas con mucho acierto, y repartiendo las obras en secciones temáticas que facilitan la visita. Hablan entre sí a través de sus valientes autorretratos (muy numerosos, cuestión poco frecuente hasta ahora de manos femeninas), presentándose como lo que son, pintoras, pese a quien pese de la época, como mujeres que analizan su entorno, lo convierten en un lienzo, cuidando, como en el caso de Anguissola todos los detalles, y dándole el ambiente humanista del momento, en el caso de Fontana, en el que todas las damas de la alta sociedad debían tener conocimientos de idiomas, literatura, música, danza y arte.

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Sofonisba, morirá nonagenaria, contando con el respeto y la admiración de muchos de sus contemporáneos, como vemos en el delicioso retrato que Van Dyck le hace al visitarla, ya anciana y ciega. Este retrato aparece en la última sala de la exposición, dedicada a la memoria, en la que se demuestra lo conocida que era, tratadistas como Vasari, o el mismo Miguel Ángel, hablaron de ella y de su arte, que no alcanza más que el medio centenar de obras, en una vida en la que se enviudó dos veces y no tuvo descendencia.

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Lavinia Fontana que tiene nombre de matrona romana, vivirá 62 años, entre su trabajo de pintora, de dirigir el taller, viajar a Roma y Florencia y los once hijos que tuvo con el también pintor G. P. Zappi. Está enterrada en Roma, en Santa María Sopra Minerva. Como ya hemos apuntado se considera la primera pintora profesional de la historia del Arte, y esta condición le hizo estrechar relaciones, con nobles y eclesiásticos de la época (pintora de la Corte del papa Clemente VIII y de Paulo V). Llama la atención en la exposición que nos ocupa el hecho de tener obras mitológicas con figuras desnudas y el tratamiento erótico que les da a las mismas (Marte y Venus). Se tiene certeza de que pintó más de 130 cuadros, pero solo se conservan una treintena fechadas y firmadas.

Es todo un enfrentamiento el de estas dos pintoras contemporáneas, que comparten tanto pero a la vez les separa tanto, compruébenlo ustedes mismos, visitando hasta el 02-02-20, fecha fácil de recordar, y para celebrar el 200 Aniversario del Museo del Pardo, la exposición Historia de dos pintoras: Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana.

Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela. Sede de la ILE. (c/ Martínez Campos, 14 ). Hasta el 1 de marzo

100 años de Instituto Escuela. El futuro de la educación era hace cien años.

En pleno siglo XXI la educación está inmersa en una gran revolución que pone en entredicho postulados que se venían arrastrando los últimos cincuenta años y se convierte al alumno en protagonista de su propio aprendizaje, a través de nuevas metodologías.

¿Y si el futuro ya existiera hace cien años.? Este es el interrogante que se nos plantea en esta exposición “Laboratorios de la nueva educación. En el centenario del Instituto Escuela”  que se celebra en la sede de Martínez Campos del ILE (Instituto Libre de Enseñanza) hasta el 1 de marzo.  Quizás podamos responder a la pregunta, o no,  pero lo que es seguro es que supone una magnífica ocasión para acercarse a uno de los proyectos educativos más pioneros y ambiciosos del siglo XX.

Recordemos un poco los orígenes de la  Institución Libre de Enseñanza, en cuyo seno nació el Instituto Escuela. Surgiría en plena Restauración Borbónica, en 1876, a raíz de la prohibición de la libertad de cátedra (Decreto Orovio) del gobernante conservador Antonio Cánovas del Castillo. En aquel año un grupo de profesores liderados por Giner de los Ríos y Azcárate,  a modo de objeción de conciencia, fundaron la ILE.

Velázquez, Rembrandt y Vermeer. Miradas afines. Museo del Prado. Hasta el 29 de septiembre.

La Historia del Arte del Barroco, del siglo XVII en concreto, tiene un gran número de grandes figuras de la pintura,  siempre clasificadas según su nacionalidad, en Pintura Española, Pintura Holandesa, Francesa o Italiana. El hecho de diferenciar autores por su nacionalidad ya les daba de salida una serie de características propias. Esta muestra del Museo del Prado quiere salir de este atolladero, de este simplismo:  VELÁZQUEZ, REMBRANDT, Y VERMEER. MIRADAS AFINES. Se trata de pintores, español uno, holandeses los otros dos, que tienen mucho en común, además de parte de su historia compartida, con muchos claro-oscuros,  (que terminó en 1648 con la independencia de Holanda de la corona española.)

Paula Rego en CEART, Fuenlabrada: Giving fear a face. Hasta el 21 de julio.

 

Trasladarse hasta Fuenlabrada, da igual donde vivas, es un esfuerzo, parece que está lejos de todo ( y que me perdonen los vecinos de dicha localidad). Pero ese esfuerzo se ve de sobra compensado cuando aparece ante tí el edificio que cobija el CEART, Centro de Arte Tomás y Valiente. Un espacio que promete sorprender, como lo hace la exposición de Paula Rego Giving fear a face (o Personificar el miedo) , que acoge hasta el 21 de julio.

CEART. Onlyartravel

En su interior aguarda un montaje laberíntico, agradable y sorprendente que  te invita a descubrir las últimas obras de esta influyente pintora figurativa, una de las grandes del siglo XX. Ochenta obras pintadas por la pintora portuguesa desde 2005, con la técnica del pastel como protagonista, esperan a descubrir todo un mundo de sensaciones.

A sus ochenta y cuatro años Paula Rego (Lisboa, 1935) sigue trabajando, y creando a contracorriente  esos mundos que la obsesionan. Experiencias personales, fantasías, pesadillas, referencias a la crueldad del mundo en especial con las mujeres, pero con cualquier ser humano.

El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño. Fundación Juan March. Hasta el 23 de junio

Entramos en realidad en un cuarto de juegos, de más de 480 metros cuadrados, no en una exposición al uso. Supone una vuelta a la infancia, ya desde el mismo título: El juego del arte. Pero sobre todo es esta muestra una nueva perspectiva, que conjuga Pedagogía , Arte y diseño …como sigue rezando el título.

El comisario, Manuel Fontán (y sus colaboradores, incluido Juan Bordes) han dispuesto las 900 piezas que componen la exposición para mostrar como las novedosas pedagogías del siglo XIX , radicalmente basadas en el juego y la manipulación de formas, han sido una fuente fundamental para las vanguardias del siglo XX, para el arte y el diseño de los primeros treinta años del siglo XX.

La exposición se inicia con Un museo sintético de arte moderno, un museo de vanguardia en miniatura: Malevich, Balla, Morandi…nos hacen ponernos en contacto con las nuevas tendencias artísticas del primer tercio del siglo XX. Un botellero de Duchamp, dadaísta, el colorido de Sonia Delaunay, los floreros de Hoffmann, las verticales de Mondrian , pequeña obra de Picasso o de Kandinsky…nos permiten releer de nuevo estas vanguardias.

Una primavera con arte y mucho más en Madrid.

Madrid en primavera ofrece mucho que ver y que disfrutar, mucho de lo que sorprenderse y mucho de lo que aprender.

De pintura, de historia, de educación, de arqueología o de arquitectura, de escultura….

 

  • Balthus en el Museo Thyssen Bormemisza de Madrid. Hasta el 26 de mayo.                                                           Elegante, cercano y a la vez lejano, intimista, así es como yo definiría a Balthus en toda esta serie de figuras que nos regala. Conocedor de la importancia de los pequeños detalles. Y soñador….

                           http://onlyartravel.com/2019/03/balthus-museo-thyssen-hasta-el-26-de-mayo-2019/

  • Giacometti en el Museo del Prado. Madrid. 2 de abril-7 de julio 2019.                                                                              La Galería Central del edificio Villanueva de la pinacoteca se abre a uno de los escultores más importantes del siglo XX en un diálogo entre sus estilizados hombres y mujeres, frágiles y anónimas figuras símbolos de la más pura humanidad, y distintos cuadros del Prado.                                                                                                            
  • El gabinete de descanso de sus majestades. Museo del Prado. Hasta el 24 de noviembre.                                 Esta exposición pretende evocar uno de los espacios más singulares del edificio Villanueva: el gabinete de descanso de sus majestades,. Sitúa en la sala 39 todas las pinturas y muebles que lo componían, en su posición original.

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